SÁBADO, 28 DE AGOSTO DE 2010

MUSICA › EL PIANISTA ANDRAS SCHIFF SE PRESENTO EN EL TEATRO COLON

La asombrosa modernidad de Beethoven

El músico húngaro, uno de los máximos intérpretes de piano en la actualidad, brindó dos conciertos memorables. Uno como solista, para el Abono Centenario del Colón. Y el jueves fue el solista de la Filarmónica de Buenos Aires.

Por Diego Fischerman

András Schiff se niega a llamar “Claro de luna” a la sonata de Beethoven que todos conocen por ese nombre. No lo es. Porque, dice, esa sonata ya tiene un nombre, puesto por el propio Beethoven: “Quasi una fantasia”. Ese detalle, buscar en la propia obra y en su escritura aquello que tiene para decir sintetiza a la perfección, en todo caso, el estilo del pianista. El martes tocó solo, para el Abono Centenario del Colón, comenzando precisamente con esa sonata que Beethoven presentaba como “casi una fantasía”. Y el jueves fue el solista del concierto de la Filarmónica de Buenos Aires y, con dirección de Arturo Diemecke, interpretó el Concierto Nº 5 de ese autor. Fueron dos actuaciones memorables y, en ambos casos, pusieron en escena la poderosa modernidad y el efecto revelador de una concepción filologista y ceñida a la más absoluta literalidad que, por otra parte, no desdeña ninguna de las posibilidades interpretativas del piano moderno.

En su concierto solista, Schiff rondó los límites del género que, en los siglos XVIII y XIX, se constituyó en terreno de abstracción. La Sonata Op. 27 Nº 2, ya desde su apelación a la idea de la fantasía, rompe con el género y, en el final del concierto, la Sonata Nº 21 en Do Mayor Op. 53 dedicada al conde Von Waldstein llevaba sus reglas hasta un abismo o, por lo menos, un nuevo punto de partida. Y entre ambas obras, el pianista tocó la primera de las sonatas de Schumann y su fenomenal Fantasía en Do Mayor Op.17 (nuevamente sonata y fantasía como puntos de tensión). Y ya en el comienzo de la “quasi una fantasia”, con el escrupuloso respeto a la indicación beethoveniana “debe tocarse esta pieza delicadísimamente y sin sordina”, plasmó su mundo interpretativo. El efecto buscado por el autor fue el de una bruma, con la resonancia de todo el instrumento, y Schiff lo tocó exactamente así, delicadísimamente y sin sordina (indicación que en tiempos de Beethoven, y de pianos muy poco resonantes, implicaba el uso del pedal resonador).

Más allá de la facilidad y la naturalidad que Schiff transmite, fue asombroso su dominio del color, su manera de lograr timbres y densidades diferentes según los registros –incluso simultáneamente, como en la Waldstein– y la absoluta liviandad de un fraseo que, no obstante, nunca perdía la fuerza y el impulso. Un Impromptu de Schubert, una de las Canciones sin palabras de Mendelssohn y el primer movimiento del Concierto italiano de Johann Sebastian Bach fueron la generosa respuesta del pianista a la ovación del público.

Para su actuación con la Filarmónica el Colón volvió a estar lleno hasta el tope y volvió a aplaudirlo con fervor durante largos minutos. El Concierto Nº 5 de Beethoven había sido interpretado de manera extraordinaria y también en este caso su toque, casi de clavecinista, había sobrevolado las texturas de la orquesta que, dirigida con justeza por Diemecke, fue una socia exacta. Como bis, Schiff, aplaudido también por la orquesta y el director sobre el escenario, tocó el Arabesque de Schumann. Prodigiosamente su sonido fue otro, su fraseo se espesó y Schiff brindó una verdadera lección de rubato. En la primera parte del concierto la orquesta había tocado la virtuosa Till Eullenspiegel, de Richard Strauss, y el Adagio de la inconclusa Sinfonía Nº 10, de Gustav Mahler. Pareja en todas sus filas, sensible a las marcaciones del director y homogénea en su fraseo, se destacaron los solistas de flauta y corno así como su concertino Pablo Saraví. En la obra de Mahler, la interpretación fue intensa y ya desde la exposición, a cargo de la fila de violas, se mantuvo un intenso clima expresivo. Diemecke, que logró además una precisa diferenciación estilística entre las tres obras, se abrazó al final del concierto con el solista. Y el abrazo fue merecido para ambos.

MAHLER POR LA ORQUESTA FILARMONICA DE BUENOS AIRES, EN EL COLON Una velada ejemplar Sinfonía N° 3, en Re menor, de Gustav Mahler. Octavo concierto de la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires, dirigida por Enrique Arturo Diemecke, Con el Coral Femenino de San justo (Roberto Saccente), el Coro de Niños del Teatro Colón (César Bustamente) y la solista Graciela Alperyn. Teatro Colón (Libertad 621), jueves 12. Con una concurrencia numerosa, el octavo concierto de la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires resultó sin duda una velada ejemplarizadora. Porque una sinfonía tan compleja como la tercera que compuso Gustav Mahler (1860-1911), el admirable compositor a quien se tributan muchos homenajes en su sesquicentenario, encierra y requiere, muchos factores concurrentes. En esencia, la Sinfonía N4 3 en Re menor guarda heterogeneidad, una fuerte propensión metafísica, con una duracióti de más de hora y media en sus seis movimientos, incorporando un coro femenino, otro de niños y una solista vocal. En ese contexto, se logró en la ejecución de Enrique Arturo Diemecke un resultado realmente lucido. Desde el primer movimiento, donde destacan los vientos que allí toman amplia participación como también la percusión, se advirtió una sólida preparación, favorecida por la nueva cámara acústica estrenada en la ocasión y construida en el propio teatro. EL DIRECTOR La labor del director mexicano y la respuesta de las cuerdas en el admirable 'Adagio' que cierra la partitura adquirió un fraseo, diríamos ejemplarmente mahleriano, escandido y sutil, en una de las páginas mejor construidas por el compositor, que provocó la esperada explosión y reacción del público. En la intencionalidad poemática dada por textos de Friedrich Nietzsche y del 'Des Knaben Wundenhorn', cabe también ponderar la participación del Coral Femenino de San Justo, con unas cincuenta voces, fundado y dirigido por el maestro Roberto Saccente y del Coro de Niños del Colón preparado por César Bustamente. que se ubicó en un palco 'avant-scéne'. La participación solista de la mezzosoprano compatriota Graciela Alperyn, de conocida carrera internacional, mostró un cabal dominio de la parte y acentos expresivos adecuados. En suma, con cámara acústica de estreno, permisiva de una mejor proyección sonora, el concierto constituyó un noble homenaje a Mahier a través de la tercera de su decena de obras sinfónicas ∎ Néstor Echevarría

Digno homenaje a Schumann Atractivo concierto de la Filarmónica de Buenos Aires para Festivales Musicales

LA NACIÓN

18 de julio de 2010

Filarmónica de Buenos Aires. Concierto de Festivales Musicales. Dirección: Arturo Diemecke. Solista: Natalie Clein (chelo). Programa: Obertura de Las alegres comadres de Windsor, de Nicolai; Concierto para violonchelo y orquesta en La menor op. 129, y Sinfonía Nº 3 en Mi bemol mayor, Renana, de Robert Schumann. En el Teatro Colón. Nuestra opinión: muy bueno.

Una noche feliz para la música romántica resultó ser la última sesión de la Filarmónica de Buenos Aires. Bien puede considerársela como un digno homenaje tributado a Robert Schumann, conspicuo representante del romanticismo musical, con motivo de conmemorarse el bicentenario de su nacimiento. El hecho de coincidir análoga celebración con la de Otto Nicolai -también nacido en 1810-, motivó indudablemente a los organizadores a incluir su Obertura de Las alegres comadres de Windsor , la más notoria de sus cinco óperas, compuesta según la célebre comedia de Shakespeare. Pero, por cierto, no fue éste el único mérito de Nicolai, discípulo de Carl Friedrich Zelter, con quien compartió su afinidad electiva por Bach y sus obras -al igual que Mendelssohn, quien fue asimismo discípulo de aquél-. Cantante, pianista, organista y compositor de obras sacras y corales, el talento polifacético de Nicolai resumió las más variadas tendencias musicales de su tiempo, siendo por ello consciente de que su concepción musical se orientaba más hacia el intelecto que hacia la imaginación y el mundo emocional. Al igual que Schumann reflejó la típica dualidad del genio romántico.

Debe acotarse, sin embargo, que la obertura aludida es música que causa un placer auditivo inmediato en el oyente; se advierte en ella el gusto de Nicolai por la ópera italiana y su fluidez melódica, aunque también la fusión de estilos entre ésta y la ópera alemana, hecho criticado precisamente por Schumann en sus escritos teóricos. La Filarmónica cumplió una lograda y lucida labor al reeditar su espíritu ligero y festivo, con homogeneidad sonora, ajuste rítmico y plausible equilibrio dinámico.

Arturo Diemecke condujo con agudo sentido de la interacción interpretativa el Concierto para violonchelo y orquesta en La menor op. 129 , de Schumann que siguió teniendo como solista a la talentosa Natalie Clein, cuyo protagonismo interpretativo tuvo a través de un instrumento de autor -un Guadagnini, de 1777- elocuente voz instrumental, si bien su amplia gestualidad no resulta muy conveniente para obtener una buena relajación en beneficio de una sonoridad menos agresiva.

Dueña de un dominio técnico indudable, con clara articulación y nitidez expositiva, Clein demostró poseer cabal comprensión de la obra, sin que su virtuosismo opacase el clima poético de la obra. Graduó muy bien las tensiones dramáticas en el Allegro inicial ( Nicht zu schnell ), lo mismo que las transiciones expresivas, rápidas y cambiantes en éste y los restantes movimientos, como en el segundo ( Langsam ), con una amplia meditación cantabile, muy bien matizada y expresiva. Como el propio Schumann consignó en el catálogo de sus obras, este concierto es, en realidad, una "pieza de concierto con acompañamiento de orquesta". Diemecke condujo a la Filarmónica con maestría, graduando la sonoridad general, lo cual dio mayor relevancia al desempeño de la solista.

Notoria pujanza musical cobró la Filarmónica de Buenos Aires, principalmente a partir del comienzo de la Sinfonía Nº 3 de Schumann ("Renana"), que Diemecke encaró comunicando a la orquesta un auténtico impulso romántico, pleno de vital entusiasmo. Con una calidad expresiva que el sonido orquestal reprodujo en todo momento, la versión constituyó el punto culminante del concierto, exhumando el fervor romántico que el alma de su autor sintió por el paisaje natal vecino al Rhin. Sus síncopas rítmicas iniciales en el Vivo inicial ( Lebhaft ) dieron el tenor de ese movimiento, y el preciso cumplimiento de las indicaciones del tempo fueron traducidas de manera siempre eficiente. Fue muy bien manejado el balance sonoro y resultó equilibrado el rendimiento de cada grupo instrumental, con particular mérito de los bronces, de sonido blando aunque sin perder brillo, siguiendo el papel que el autor les reservó en esta sinfonía.

Héctor Coda

Conferencia para la Audio Engineering Society, México

Jornadas educativas de la Audio Engineering Society - XPO SOUND:CHECK, 2010
"Este año, el ámbito de video e iluminación, volvieron a marcar junto con el audio, las áreas de desempeño profesional que mayor matricula representan para la industria –en términos de producción- con un 45 por ciento entre todas. Para atender a esta camada de profesionales, la presencia del programa educativo armado por la Audio Engineering Society México (AES), se ha convertido en un seminario imprescindible para quien desea hacer carrera en el competido ámbito de la sonorización y grabación de audio."

"Las ponencias dictadas por auténticos gurús en la materia como Chuck Ainley, Anibal Kerpel, Moogie Canazio, Wes Dooley, Andrés Mayo, Poppy Crum, Humberto Terán, Ed Cherney, Chris Lord Alge, Bob McCarthy, Gabriel Benitez, Enrique Diemecke, Rosino Serrano y Valeria Palomino, debatieron y analizaron temas relacionados con los desafíos del monitoreo personal, los procesadores de audio, los micrófonos de listón, psicoacústica, la grabación y producción sinfónica, el sonido de calidad en un home studio y la producción de un disco con calidad internacional
Un espacio de formación invaluable pues reúne a la elite de los profesionales locales e internacionales con nuestra comunidad."
Glosado a partir de un original de la Revista MUSIC LIFE, junio 2010.

El público del futuro

Por Cecilia Scalisi Para LA NACION
Uno de los temas importantes que preocupan a las grandes instituciones musicales del mundo es la formación de sus nuevos públicos. Las respuestas a esa preocupación (que no sólo define el futuro de las salas de conciertos y teatros de ópera, sino que atañe también a las respectivas sociedades en que esos organismos actúan) son los variados programas educativos que implementan para la formación de alumnos y maestros. Sea cual fuere el formato, e independientemente de los recursos económicos que se destinen, dos comunes denominadores trascienden en los casos líderes: calidad y permanencia. La calidad implica poner en juego los mejores recursos artísticos y la participación directa de las figuras sobresalientes de esas instituciones (como Barenboim en la Staatsoper y Simon Rattle en la Filarmónica de Berlín). La permanencia denota continuidad, frecuencia, método y empeño. Así, por ejemplo y según el contexto de cada lugar, existen proyectos que apuntan a la creación de públicos desde la perspectiva de la integración racial, en comunidades donde la inmigración representa un tema sensible (tal el caso de Suiza). Otras instituciones concentran sus esfuerzos en difundir repertorios como cultura general, realizando temporadas infantiles de ópera y conciertos; mientras que otros teatros consolidan el aspecto educativo a través de la preparación de docentes que luego introducen a los niños en el género. Hay programas sencillos y los hay también sofisticados, como el ambicioso plan que instituyó una región de Alemania, de entregar un instrumento a cada niño en edad escolar, con la expectativa de asegurar que todo alumno pueda sostener la práctica instrumental como parte de su formación primaria, con un alcance de doscientos mil chicos y un presupuesto de cincuenta millones de euros. Existen iniciativas, como la de Daniel Barenboim y su orquesta Staatskapelle Berlin, del jardín de infantes musical, donde se incorpora la educación del oído desde la edad más temprana. Igualmente, la extensa serie de proyectos creativos de la Filarmónica de Berlín, con conciertos didácticos o ensayos a cargo de Zubin Mehta, Christoph von Dohnányi, Bernard Haitink o Gustavo Dudamel, es una muestra de cómo esa preocupación, en los países desarrollados, se traduce en programas de acción. Es en este marco de referencia internacional que cabe observar la realidad argentina y comprobar, con satisfacción, que el Teatro Colón, ya reabierto a la comunidad, no está ajeno y se ocupa de estas cuestiones. Cada institución en su contexto, siguiendo su tradición y atendiendo las necesidades de su entorno (como en el concepto de la "política de programación sensible" del brillante Kent Nagano), un plan sistemático en la Argentina debería priorizar el acceso igualitario a la cultura, como estímulo para superar las cada vez más profundas desigualdades sociales. Es bienvenida entonces la iniciativa de "Mi primer concierto en el Teatro Colón", una propuesta del Instituto Superior de Arte (ISA), en colaboración con el Ministerio de Educación de la ciudad, realizada entre el 14 y 16 de junio pasados. Mediante este programa, 6600 alumnos de escuelas porteñas de entre 8 y 11 años, preparados por sus docentes (trabajando con una guía didáctica durante un mes previo a la visita al teatro), fueron invitados a tres conciertos de la Filarmónica de Buenos Aires (OFBA), dirigida por Enrique Arturo Diemecke, con narraciones de Víctor Neuman. La distribución se planteó en un 60% de escuelas públicas y un 40% de escuelas privadas, convocadas según el orden de inscripción. Si bien el proyecto va por su tercer año (los anteriores fueron en la Legislatura y el Teatro del Globo), lo positivo del actual ciclo fue el hecho de haberlo presentado en el propio Teatro Colón, capitalizando así el interés suscitado por la reapertura. No es éste el único ni primer emprendimiento de promoción y enseñanza de la música; los hay desde antaño y en diversas formas (de hecho existe un programa de la ciudad para la formación de orquestas juveniles, por mencionar uno de los esfuerzos), pero sí debe ser destacado, puesto que el Colón, tras su reapertura, debe servir de ejemplo como institución líder de la vida cultural en el país. Eduardo Ihidoype -creador y verdadera alma máter del proyecto, músico de la OFBA y actual director del ISA- afirma que la inversión económica que demanda el proyecto es mínima, y que la realización no representa más que trabajo y ganas de hacer. "Los chicos reciben con felicidad lo que les damos los adultos", sostiene. Y ha sido admirable en ese sentido el comportamiento de los alumnos, que mantuvieron el orden para ingresar y el silencio a lo largo de las ejecuciones, así como reveladora la expresión de asombro, ante la fascinación despertada por la belleza del edificio. "Debemos crear nuevos públicos, pero -agrega Ihidoype- contribuir sobre todo a la formación de nuestros niños, que serán los dirigentes de mañana, los profesionales, maestros y políticos del futuro." Es importante por ello que el Teatro Colón se ocupe del tema y que lo haga bajo la fundamental premisa de la calidad. Luego será necesario extender el alcance del proyecto, asegurar la permanencia (convirtiéndolo si es posible en una temporada) y aumentar la regularidad de estos programas. Es también indispensable que nuestra dirigencia política -como lo han hecho otros países que decididamente invierten en educación y cultura- comprenda el valor de esta herramienta de integración y la apoye con el compromiso que augura la presencia del jefe de gobierno, quien acompañó a los alumnos en la última función del ciclo. De modo que, entre los beneficios de esta iniciativa, está en primer lugar la posibilidad de que los niños conozcan la sala y reciban ese inolvidable impacto con la alegría de una experiencia compartida con sus pares. Luego, en un nivel más profundo y menos inmediato, la idea de entablar contacto con el más elevado lenguaje de la música, el que exige concentración, capacidad de abstracción y disciplina de sostener el silencio; la aspiración de estimular el enaltecedor hábito de saber oír (tan deteriorado en nuestros días), y ensanchar el horizonte del pensamiento en la mente de los niños, que, frente a tanto entretenimiento superficial y vacuo, frente a tanta vulgaridad y decadencia que los rodea, encontrarán en la música un alimento espiritual que da calidad a la existencia humana. Los niños son nuestro espejo hacia el futuro. A ellos les legaremos este teatro que deben aprender a amar sin prejuicios ni resentimientos. Y así como cada padre individualmente atiende la educación de sus hijos, es saludable que, como sociedad, también actuemos en pos del conjunto. Enseñar, sin antagonismos estériles, la dicha de disfrutar y crecer con la música.
© LA NACION La autora es musicóloga y periodista.

Sharon Bezaly junto a la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires

La joven flautista israelí se presentará junto a la O.F.B.A. en el Teatro Colón. En esa oportunidad interpretará el concierto para flauta de Aram Khachaturian. Director: Enrique Arturo Diemecke
Teatro Colón Ciclo de Abono a 18 conciertos Orquesta Filarmónica de Bs. As.
Solista: Sharon Bezaly, flauta Coro Estable del Teatro Colón Director Invitado: Antonio Domenighini Director: Enrique Arturo Diemecke En programa: Aram Khachaturian Concierto para flauta (adaptación de Jean Pierre Rampal del Concierto para violín) Gustav Mahler Sinfonía Nº 2 en Do menor, “Resurrección”.

Director de orquesta mexicano Enrique Arturo Diemecke recibe el Orfeo lírico

París, 4 may (EFE).- El director de orquesta mexicano Enrique Arturo Diemecke expresó hoy a Efe su alegría tras recibir el premio Orfeo 2010 por su grabación de la ópera "Le Jongleur de Notre-Dame", de Jules Massenet, protagonizada por el tenor italiano Roberto Alagna, grabada en 2007 y editada a finales de 2009. Poco después de hacerse con el cuatro Orfeo de su densa carrera, el maestro mexicano, director artístico de la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires del Teatro Colón, y de la Orquesta Sinfónica de Long Beach, en California (EEUU), entre otras formaciones, subrayó "lo muchísimo que significaba" para él este galardón. El Gran Premio Internacional de Disco Lírico francés le fue entregado en el Anfiteatro Olivier Messiaen de la Opera de la Bastilla, explicó a Efe en conversación telefónica minutos después de recibirlo. "Este premio es una cosa muy especial, un reconocimiento que dan los conocedores de la ópera, de la lírica, a las grabaciones más importantes del año, y ser candidato o ganarlo "significa muchísimo para mi", destacó. El también director artístico de la Orquesta Sinfónica de Flint (Michigan, EEUU); que suele ser director invitado de la Filarmónica de México y de la Orquesta de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) supo del premio el pasado viernes, comentó. Ni siquiera los organizadores sabían que podría venir, pues sólo se anuncia en el último momento, añadió este director, que es la primera vez que está presente en la entrega de uno de sus cuatro Orfeo. "Le Jongleur de Notre-Dame", interpretado por la Orquesta Nacional de Montpellier en 2007, fue grabado en por Deutsche Grammophon. Roberto Alagna iba a dar un recital en Montpellier (sureste) "y, de repente, nació la idea de hacer una ópera", y eligió "Le Jongleur", en la que el personaje principal es un tenor que interpreta el papel del juglar, explicó. "Me llamaron a mí para hacer la dirección de orquesta, se grabó en directo y salió el disco", agregó el director, que suele dar conciertos con orquestas de España, Francia, Holanda, Polonia, y otros países europeos, así como de EEUU, y por supuesto de América Latina. El director, que a su intensa actividad y a sus frecuentes viajes por todo el mundo suma su trabajo como compositor "para comprender mejor" la tarea de dirección -explicó-, es también profesor de la Escuela Superior de Música del Instituto Nacional de Bellas Artes de México D.F. Ciudad donde nació, aunque creció en Guanajuato, donde vivió hasta que fue a estudiar a Estados Unidos y luego a Europa, en concreto en París, donde vivió "uno de los momentos más importantes" de toda su vida, resaltó. EFE FUENTE: http://www.eluniversal.com.mx/notas/677788.html

Long Beach, California / Enero 2009

Tchaikovsky soars to new heights under concertmaster Roger Wilkie

By John Farrell, Special to the Press-Telegram
Posted: 02/02/2009 05:27:24 PM PST

All orchestras have personalities, and, over time, those personalities become easily recognizable, like an old friend's face.

The Long Beach Symphony Orchestra, in the middle of its eighth year under the baton of Music Director Enrique Arturo Diemecke, has such a personality.

There's a sense of family, with a core group of musicians who have played together for years and have become the kind of supportive musical team for which conductors and audiences always hope.

There's a sense of power, as well, for Diemecke has never shied away from the big orchestral sound and its challenges, and the symphony has learned to provide sheer power - elegant power, shimmering power - with the same easy agility a baseball slugger uses to drive a fastball over the wall.

Both the power and the family connection were on display Saturday at the Terrace Theater of the Long Beach Performing Arts Center, as Diemecke led his band through an evening of the powerful orchestral delights of three big pieces of music by Tchaikovsky, that late 19th-century master of orchestral passion and instrumental grace.

The family connection was most apparent in the brilliant Violin Concerto, with the orchestra's long-time concertmaster, Roger Wilkie, as soloist.

Diemecke has long made a point of showcasing orchestra principles as soloists, and this wasn't Wilkie's first time in front of the orchestra. It may well have been his best, though. It is hard to remember a performance of this popular concerto, or many others equally as well-known, delivered with such confidence and power and physical presence.
From the start, with his introduction of the moving primary theme of the concerto, it was clear Wilkie's violin was going to rule the performance. His instrument has a powerful, dominant voice that was always strong against even the most powerful orchestral passages, always crisp and bursting with energy.

Equally important was Wilkie's relaxed, almost playful approach to the work. He clearly felt confident in his musical family's support, and in Diemecke's cooperation, and there were moments when he seemed almost casual about rests, plucked notes and passages full of high-speed fingerings and double stops.

It was exhilarating to watch him, sometimes serious, sometimes playful.

His reading of the solo first-movement cadenza was a lengthy moment of bravura technique, surpassing lyricism and deep emotion. Diemecke asks that his audiences not applaud between movements of a work, and they usually respect his wishes, but this first movement provoked applause so lengthy Diemecke had to gesture for quiet before the work continued to its brilliant finish.

The evening opened with the dark-colored tone poem "Francesca da Rimini," a work that calls for a big orchestra and a huge sound, violent and even a bit frightening as Tchaikovsky tells the story of a woman condemned to hell in Dante's "Inferno" for making love to her husband's brother.

An imaginative listener might hear a little autobiography in the work and can't miss the laments of those in the swirling smokes and mist of one of the lowest rings of hell.

Diemecke calls this one of his favorite works, and he led it with precise detail and perfect control.

The evening ended with the composer's "Little Russia" symphony, his second, a work inspired by the Ukraine, known as "Little Russia" then, and filled with tunes that are drawn from or inspired by folk music.

Though the work was written early in his career, it still has all the hallmarks of Tchaikovsky's orchestral writing: brilliant brass passages, shimmering effects in the woodwinds, a rich use of the strings and plenty of powerful but carefully used percussion.

Principal French Horn Joseph Meyer played the daunting and exposed open horn passages with perfection, and the dance-filled third movement was a delight of rhythmic energy.

John Farrell is a Long Beach freelance writer. More of his articles can be read at http://byjohnfarrell.typepad.com.

Críticas de Long Beach, California (enero 2009)

LBSO Leaves No Room For Criticism

By Jim Ruggirello
Downtown Gazette ~ Grunion Gazette

This is getting boring.

The Long Beach Symphony is playing at such a high level these days, and Saturday's all-Tchaikovsky program at the Terrace Theater exhibited such a really astonishing quality of execution, that they leave us critics with very little to criticize. I hate it when that happens.

Tchaikovsky writes for, and demands, a truly virtuoso ensemble. The expression is heightened in intensity, so there is nowhere to hide. His counterpoint is surprisingly intricate, so technique must be spot-on. And throughout all of his works, the composer, like the audience, requires a consistently beautiful sound.

Music director Enrique Arturo Diemecke understands all that, and fortunately our local band is more than up to the various tasks at hand. From the opening of "Francesca da Rimini" to the closing bars of the Symphony No. 2, the LBSO winds and brass created some amazing tonal colors, the strings were really magnificent and the percussion did their usual exemplary (and underappreciated) work.

Diemecke's ability to achieve perfect balance and transparent textures was everywhere in evidence. Striking solo contributions came from Gary Bovyer (clarinet, inexplicably denied a solo bow for "Francesca"), English horn Joan Elardo, flute Heather Clark and horn Joseph Meyer. The entire evening was a display of orchestral playing at its best.

Speaking of soloists, LBSO concertmaster Roger Wilkie played the violin concerto between the tone poem and the symphony, and demonstrated once again why we are so lucky to have him. His sound was huge, filling the cavernous auditorium with ease, and gorgeous. The concerto's well-known technical challenges seemingly presented no challenge at all, and the entire performance was simply wonderful, the equal of many with more celebrated names. Meanwhile, Agnes Gottschewski filled in capably as the violins' leader.

I'm reduced to criticizing Tchaikovsky, since the poor man isn't around to defend himself. "Francesca da Rimini" is very long, and I had trouble hearing any memorable tunes, which made it seem even longer. The piece is certainly dramatic enough, especially in its depiction of the whirlwind that traps the unfortunate lovers in Dante's story, but I suspect most of the audience would rather have been listening to "Romeo and Juliet," which has lots of great tunes and is shorter.

And it's easy to see why No. 2 isn't as well known as the last three symphonies. It begins well enough, with a nicely constructed first movement, but then we get this inane little march, an undistinguished scherzo, and a finale that degenerates towards the end into noisy, over-the-top bombast. For some reason, the finale's momentum is halted in mid-onrush by a gong. A gong? Where the heck did that come from?

Diemecke conducted, and the orchestra played, as if everything was a masterpiece. Indeed, Tchaikovsky was a great composer, even if, except for the violin concerto, these works are not his greatest, and the LBSO continues to demonstrate its development as a great orchestra. Enrique Arturo Diemecke is a great conductor and orchestra builder. Isn't that great?

Empezando el año con Mahler: como debe ser

Flint Symphony Orchestra elevates the drama with Gustav Mahler's Fifth

Posted by Laurence E. MacDonald | Contributing writer January 19, 2009 21:48PM

Ever since Leonard Bernstein launched a pioneering series of concerts featuring the symphonies of Gustav Mahler in the early 1960s, almost every major conductor has become a Mahler devotee. But few have approached Mahler's music with the sheer passion that has been the trademark of Flint Symphony music director Enrique Diemecke. The latest demonstration of Diemecke's devotion took place Saturday as the FSO performed a splendidly dramatic rendition of Mahler's Fifth Symphony.

The drama was displayed early on with the opening trumpet fanfare, which was just one of many moments featuring the golden tones of trumpeter Mark Flegg.

The first movement's subsequent funeral march theme, which included outstanding playing by the FSO strings, hinted further at a descriptive content regarding an unnamed person's death, subsequent burial, and ultimate rebirth. Although Mahler himself denied any descriptive ideas for this work, Diemecke's explanation gave the audience a thought-provoking way of handling this symphony's excessive length, which added up to far more than an hour.

In the second of the work's five movements, a rambunctious beginning theme, with exciting playing by the woodwinds, was followed by a somber theme that was beautifully rendered by the FSO's cellos.

The third movement, which Mahler called a "scherzo," was not only the longest of the five, but also one of the most beautifully played, with outstanding work by the French horns, under the sturdy leadership of Carrie Banfield-Taplin. The multiple layers of Mahler's music were superbly controlled by Diemecke, who used neither a baton nor printed score

The best-known part of this symphony is the slow Adagietto, the long-held notes of which were lyrically played by the FSO strings, led by principal violinist Andrew Jennings. A delicate harp accompaniment featured lovely playing by FSO's harpist Amy Ley. This gem of a movement proved to be a sublime highlight of the evening.

The Rondo-Finale, while not as musically inspired as the Adagietto, brought the symphony to a triumphant ending, with a final theme that featured outstanding work by the entire brass section. If by the end of the work the brass playing became a bit faulty at times, chalk that up to the sheer volume of work demanded of them. The overall dramatic impact of the Mahler Fifth was still intact. Indeed, the FSO has seldom performed with such magnificent flair.

The only other work on Saturday's program, Saint-Saens' Piano Concerto No. 5, featured wonderfully supple playing by guest pianist Lilya Zilberstein. Although she kept racing ahead of the orchestra early in the first movement, for most of the work's length there was a gorgeous sense of ensemble. After the nimble-fingered opening movement, Zilberstein offered a lyrical second movement, the exotic melodies of which have resulted in this work being known as the "Egyptian Concerto."

The fast-paced finale, with rippling keyboard scales and arpeggios, brought this regrettably little-known work to a flashy finish. The standing ovation Zilberstein received was most richly deserved.

© 2009 Michigan Live. All Rights Reserved.

"La filarmónica, en una realidad paralela", La Nación, diciembre 2008

Casi escindida de lo que sucedía a su alrededor, la Filarmónica de Buenos Aires cumplió con su ciclo de presentaciones con puntualidad y respeto, no sólo por sus abonados sino por los artistas que la integran y los que la acompañan ocasionalmente. Así, además de la gran actuación que tuvo la orquesta, sobre todo cuando la batuta estaba en manos de su titular, Arturo Diemecke (foto), hay que agradecer los valiosos invitados que acercó a los melómanos locales.
(Foto: Juan Parra)

De La Nación, 28 de diciembre 2008

"...salvo la Orquesta Filarmónica que cumplió casi a pie juntillas su ciclo, a lo largo de este año, el Colón canceló más funciones que las que pudo concretar. Así, es casi milagroso afirmar que, efectivamente, la Filarmónica tuvo un gran año y que encontró en Arturo Diemecke, a su gran conductor...."
Alejandro Cruz / Verónica Pagés

Feliz fin de año para la Filarmónica

La orquesta terminó la temporada con un concierto que tuvo al violinista Shlomo Mintz como solista invitado
Noticias de Espectáculos: anterior | siguiente Martes 25 de noviembre de 2008 | Publicado en edición impresa

Ultimo concierto del ciclo de la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires, dirigido por el maestro Enrique Arturo Diemecke, con la participación del violinista Shlomo Mintz en calidad de solista. Programa: Danza macabra en Sol menor Op. 40, de Saint-Saëns; Concierto para violín y orquesta N° 1 (Op. Póstumo), de Béla Bartók; Tzigane, rapsodia de concierto para violín y orquesta, y Daphnis et Chloé, suites N° 1 y 2. Teatro Opera.
Nuestra opinión: muy bueno

La circunstancia de que haya llegado a una muy digna y feliz culminación la temporada oficial de la hasta ahora Orquesta Filarmónica de Buenos Aires, con diecinueve conciertos cabalmente cumplidos con la acertada dirección artística del maestro Enrique Arturo Diemecke, es un galardón de especial significación en años como éste. También, un rasgo enaltecedor del prestigio subsistente e imperecedero del Teatro Colón, cuyo director general acaba de otorgarle explícitamente este nombre en una alocución reciente.
No fue ajeno a este sentimiento el numeroso público que acudió al último concierto de la Filarmónica y premió cada una de las obras ofrecidas con sostenido aplauso, tal el caso de la primera, de Saint-Saëns, cuya Danza macabra , una vez transcurridos los primeros momentos en que la orquesta arrancó "en frío", recobró su acostumbrado nivel de tonicidad una vez dadas las campanadas de medianoche, arpa y trompa mediante, e iniciado el solo de violín con el primer tema, sarcásticamente lúgubre y obviamente alusivo hasta conducir a la parodia del Dies irae .
Más romántico en cuanto a la motivación, aunque no en su lenguaje, el Concierto N° 1 para violín y orquesta (1908) de Béla Bartók, magníficamente expuesto por el violinista Shlomo Mintz, es una creación temprana de su genio. Fue originariamente dedicada a una violinista (Stefi Geyer), de quien se desvincularía tiempo después. Encontrada la partitura original en 1960 -tal como se aclara en el programa de mano-, cuando ya se consideraba que su segundo Concierto para violín y orquesta (1938) era, obviamente, su primera obra del género, este concierto, que había sido escrito tres décadas antes, pasó a figurar como en verdad lo era: el primero.
De sus dos movimientos, el inicial (Andante sostenuto) que comienza con un pianissimo, fue cobrando entidad sonora bajo el arco privilegiado de Mintz, es una suerte de soliloquio melódico, por momentos ascético, desolado y aun idílico en su carácter, con sedosa sonoridad, rasgo compartido por las restantes cuerdas de la orquesta. El siguiente movimiento (Allegro giocoso), marca un nítido contraste: es más temperamental y virtuosístico, con sus ritmos marcados y sus staccati con rasgos sarcásticos, alternados por frases lúcidas y melodiosas que se elevan hacia las alturas del registro sin mengua de la elocuencia del discurso. La orquesta asumió aquí una mayor libertad expresiva, con muy buenos solos.
Schlomo Mintz abordó a continuación Tzigane , rapsodia para violín y orquesta, de Ravel, página que abriría con extremado virtuosismo (algo que recordó a la prodigiosa Ginette Neveu cuando estuvo en Buenos Aires, en 1947). Los interminables aplausos que recibió fueron correspondidos por Mintz con una versión memorable de una Partita de Bach.
En la segunda parte del concierto, nuevamente Ravel, con las suites N° 1 y 2 de Daphnis et Chloé , fue vertido como una admirable sinfonía de ritmos y colores que la Filarmónica interpretó con notoria pulcritud expositiva a las órdenes de Diemecke, con solos admirables (como el del flautista Claudio Barile, en la segunda). Esta versión de la Suite N° 2, a cargo de la Filarmónica, merecería ser llevada al registro discográfico.
Héctor Coda